仲条正义，那个永远年轻热爱设计的老爷爷，这次真的休息了-虎课网

仲条正义，那个永远年轻热爱设计的老爷爷，这次真的休息了

K先生发布于 2021-12-061667阅读0点赞

走进仲条正义...

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设计干货杜绝注水

仲条正义（Nakajo Masayoshi），日本著名平面设计师，生于1933.5.4，2021.10.26离世。1967-2011年持续为资生堂企业文化杂志《花椿》担任艺术指导。一生都活跃于日本平面设计界的仲条正义获奖无数，包括ADC会员最高奖、TDC会员金奖、 JAGDA龟仓雄策奖、紫绶褒章、旭日小绶章等荣誉。同时也担任过ADC会员、 JAGDA会员、东京TDC副理事、女子美术大学客座教授等职务。

仲条正义先生（以下统称为“仲条”），1933年出生于东京，小时候因为战争回到老家千叶县，直到大学都在千叶的一所学校度过。受到老师熏陶，仲条从那时起就憧憬成为油画画家，但慢慢发现自己并没有当时的其他画家那么厉害，所以1952年选择了就读东京艺术大学的图案学科（现已更名为设计学科），与福田繁雄还是同届。

1956年毕业后仲条入职资生堂宣传部，但因为早起上班实在太痛苦，所以他坚持3年就辞职了。

仲条的猫-小吉

现在会认为设计师具有个性是很好的事情，但仲条踏入社会时主流还是偏向理智中性的风格，而他的设计极具个性和叛逆感，在当时很难被行业和社会所接受。他曾经自嘲道：找我设计的人都是熟人，不熟的可能怕我把作品搞得一团糟吧，大项目的竞标也过不了。

东京都现代美术馆 LOGO，1995

在竞标东京都现代美术馆的VI设计时，由于曾经在万博和奥运的竞标都没有通过，仲条正义就想过放弃这个项目。MOT是东京都现代美术馆的简称，与日文的“更多”同音，表达了一种积极向上的形象。

当时是5人竞标，为了赢得竞标，仲条大胆地把M倾斜、把T叠加，而of和art为了避免全部西文一行变得很小，就放在了下方。现在看这种表现形式挺常见的，但当时国内外的美术馆logo基本是用普通字体横排形成，仲条这么做可以说是将任性进行到底了。

design by 龟仓雄策，索尼SP相机海报，1957

大概也是因为这种特立独行，成为自由职业者后，仲条心里仍然是十分迷茫和焦虑，直到他看到龟仓雄策为尼康相机创作的海报，被其打动，才坚信设计是可以追求自我的，并且是有前景的。

1961年仲条成立了自己的仲条设计事务所。和大多数日本设计师不太一样的是，仲条较少广告类的作品，更多是专注于时尚杂志、活动海报等设计。其中部分原因是因为他自己的兴趣也不在广告上。

《花椿》封面

1967年资生堂邀请仲条回去做广告，他却表示自己不擅长，也没做过统筹工作，并坚持自己只对《花椿》感兴趣。在以前他就买过不少时尚杂志如VOGUE、ELLE、Le Jardin des Modes，对于当时刚兴起的摄影也颇有留意。

《花椿》封面

40年多来他把很大一部分精力都投入到了《花椿》。也许你会以为，他是作为设计顾问，指导一下就好了，但其实在很长一段时间里，整本杂志从封面到内页都是仲条一个人完成的。在杂志里他把自己的风格表现得淋漓尽致，进行了大量巧妙惊艳的摄影创意和图文编排。

《花椿》封面

从作品来看，甚至很难定义他做的到底是设计，还是艺术。他也认为，自己本身就是一个混沌和暧昧的人。没有对艺术和设计形成明确地定性，他追求的更多是一种和谐的状态。但是也是因为这种说不清的日式暧昧状态，才构成了他自己所谓的设计。

《花椿》，1986

他喜欢使模特显得古怪有趣。为了避免陷入无意义的重复，他不断吸收知识，越发进步。每隔一年到三年的时间，他就会推翻一切，打散重来。仲条回忆到：

花椿每几年就有一次休刊危机，

每遇到休刊危机的时候，

我就会想着这可能是最后的摄影，

然后就把预算花光了。

这种不拘一格的玩乐态度，让《花椿》在20世纪被誉为“日本最美杂志”。

除了为《花椿》进行设计，1990年仲条也为资生堂旗下的甜品店 Shiseido Parlour 提供设计，Parlour 的标志和包装都是从头开始的新作，这种装饰艺术风的“资生堂风格”，在当时也引起了很大反响，而且也成了一种银座风格，在银座其它老建筑也留有这种痕迹。

Shiseido Parlour，1990

他大胆地使用了并不能激发食欲的蓝色作为主色调，但受到很大欢迎。和食物最不相称的冷色在仲条正义的设计下显得并不怪异，反而使Parlour充满了高级感和吸引力，在同行中脱颖而出。

为了保持对消费者的吸引力，每隔几年品牌的包装就会进行一次更新。

他永远是热爱创作的典范，已经是88岁高龄，很多人都说，您就休息一下吧我给你钱，但他就是觉得停不下来。他还说：我特别尊重传统和历史，在传统和历史面前我永远都是特别年轻。

在他的作品中，你永远看不出他的“年长”。相反无论是哪个时期的作品，里面的形象似乎都具有灵动的表情，往往只要多看两眼，你就能发现惊喜。

手表，1980s/1993/1995

曾经戴着自己设计的手表好多年，最终还是换掉了，理由是自己设计的手表他也实在看不懂现在几点。也许就是上方其中一款吧。他就是这么一个为人和设计都很坦率有趣的人。

现代海报竞作展，1994

就像前面所说的，仲条的作品极具个性，除了杂志编排，其它作品基本没有什么文字，因此很多人也会表示：感觉没有明确的主题，完全看不懂。仲条对此解释说设计是需要与观者达到共鸣和沟通的，但他更倾向于将感情用图形和颜色的形式进行传达，这样最终形成的作品，会比语言更具备正确传达的效果。

忘之容易忆之癫狂，1978

包括在自己的展览上，除了仲条正义的简介和展览里的作品名称，几乎看不到其他的文字介绍。他希望展览能够:

让图形说话，让文字闭嘴

通过自己的努力赋予图形个性和表情，进而产生属于它们自己的语言和文字。有时候恰恰是这些看不懂的地方和自己内心，不可思议地产生共鸣，从而让人感觉到惊喜和理解。他认为设计中最重要的是让人有意想不到的惊喜。

这些“看不懂”的作品大都是极简的半抽象图形，不同的是，在极简的几何图形中，他会加入一些手工的绘画感。这大概和他自己的喜好有关系，他喜欢图形不要做得太干净，“在最后即将完成的一刻，一定要试着破坏”。

JAGDA JAPAN 展，1988

《欢迎来日本》这一系列著名海报也是，通过几何图形和徒手勾勒的线条形成冲击感，让人感受到中西文化的碰撞与融合。

还有部分原因要归结于仲条本身使用的作图工具上：他是不使用电脑进行设计的。他谦虚说自己很笨不会操作电脑，所以一直都是纯手工制作，一稿完成，复印出来后修改，再复印再修改，这样最后的成品也很难不具有手绘的感觉。一开始我是有点质疑的，直到看到了这些我从没有见过的作图工具。

这是2020年日本手帐品牌HOBONICHI邀请仲条正义设计的一款封皮，就是仲条使用上述的工具绘制出几何图形，勾勒曲线完工，最后再请其他设计师帮忙进行电子化的。封皮硬度和厚度恰到好处，上手很有质感。颜色是非常纯粹的粉色和蓝色，他认为手帐需要体现一种海报等印刷品没有的材质感。封面上的数字既是2020，又像是一副眼镜，从而形成趣味性。

《虎年贺卡》插画

当然对于电脑仲条并不是表示排斥，他认为电脑这类工具，代表技术的进步，但电脑表现力还是不够，它们真的只是工具而已，设计能力还是要看今后个人的造化。

TACTICS DESIGN，1995

现在大家说的匠心普遍都是指手工方面的，但我们不能过分强调所谓手工就是匠心，时代在发展，将来机械肯定要替代人工。但是人在掌控着、驾驭着机器，其实也是我们人的匠心在起作用。

半抽象的插图可以说是仲条的风格代表。但这么说仲条似乎更像画家？使仲条被区分为设计师而不是画家的，其实是他的文字编排能力。80年代他对于“加大字间距”的合理掌控，可以说是他设计生涯的分水岭。

《花椿》内页，1972

在初期仲条对照片的构图能力是很出众，但版式编排与其他设计师并没有形成明显区分，就像一条巨龙还在沉睡一样。

THE GINZA LOGO，1975

仲条对于文字的间距基本都是没有处理的，70年代开始，大多数作品虽然都是使用了文字密排和紧排（字距默认或缩小），但逐渐有少部分设计中的西文logo和标题、作者部分使用了疏排。为资生堂品牌 THE GINZA 设计的logo上就使用了大字距。

《住宅和工具的新扫除》，1976

书籍《住宅和工具的新扫除》的作者部分，字间距也是很明显加大了。

《花椿》1983年1月号，1983年

1983年开始，仲条在日文排版中多处采用文字疏排的形式。1967年来到《花椿》的时候，仲条是和另一位当红设计师村濑秀明共同协作的，仲条负责内页，村濑负责封面。

《花椿》1983年1月号，是仲条第一次担任封面的艺术指导，也是他第一次采用疏排，搭配黑体，杂志的气氛完全变了。当然也不是说他是第一个把文字加大间距的人，据猜测是由于受到他欣赏的横尾忠则的影响。

TACTICS DESIGN，1983

这一期值得注意的还有黑底反白的文字“JANUARY”和“1983・1・No. 391”，个别字母和数字进行了”夸张“的强调。这种将文字处理成类似logo的图形化，似乎是受俄罗斯构成主义的影响。包括内页的标题文字上也做了各种各样的logo化。这种黑底白字的手法后来经常被仲条使用，包括同年的tactics作品。

POSTERS展览海报，2019

就是这种简单，但却可以将效果最大化的表现方式，才是仲条正义作为设计师的一种体现。“所以我的东西有点奇怪。但是这些奇怪的地方也不错。就好像在说：“这就是我的做法，有意见吗？”似的。

佛与茶展海报，1998

“行距也是一样的道理，纵横都一样，这种扭曲也是一种美的要素，或者说设计的意志。要是正常地编排，就会只有文本本身的意义，但是如果稍微改变字型、调整字距，就可能形成一幅画，带来视觉上的效果，这方面我做了不少尝试。”

“不过必须让读者阅读的地方

我不会随意玩。

我把阅读部分和平面设计部分

看成两回事。

而标题和副标题

我会比较大胆尝试。”

ADC获奖作品展海报，1986

这个海报的橙色背景搭配各种几何图形和文字。文字编排非常大胆，包括明朝体的疏排、西文的竖排方式，编号No.1的横向拉伸。所有的元素都看似很随意，但几乎所有元素都得到了强调，整体却依然非常和谐并且给人一种独特的“漂浮”感。

银座口袋公园海报，1984

1984年的海报《银座口袋公园》就开始尝试这种手法，但图形几乎都是方正的，整体非常稳定。

疏排&logo化、分散式构图

这2个特点，对日本现代设计产生了很大影响，当代几乎没有模仿龟仓雄策和横尾忠则的人，但翻看一下往年的设计年鉴和学生毕业作品就会发现，有很多仲条式的设计。用简单的编排方式形成最大效果，可能是时代的潮流，而且看似容易模仿，然而很少人像仲条一样真正具有自己的个性。当然也不是没有例外，服部一成和菊地敦己就是堪称仲条家族的两位优秀设计师。

仲条是少见的以展览为契机为自己累积作品的设计师。1988年在银座ggg画廊进行展览时，觉得自己没有什么海报，就赶紧做了一些，也正是这些作品，仲条才算走入了大家的视野，找他比稿和策划的人开始增多，尽管这时候他已经55岁了。之前给人印象深刻的更多是《花椿》和The Ginza等具有争议性的作品。

富士殇个展，2002

2002年，仲条凭借举办的《富士殇个展》（フジのヤマイ）获得龟仓雄策奖。富士山仿佛是日本画家的一个情怀，仲条觉得自己也差不多到这个年纪了，就决定以富士为主题进行创造。

但总感觉哪里不对，后来改变方向，开始加上文字。面对雄伟的富士，仲条想着不能失礼，乱起名字，而朋友调侃他说：仲条怎么搞都是不治之症(谐音)，所以就变成了富士殇(富士病)。

这是其中的WORD系列，分别代表雪、日本、富士山，几何式的字体构图，穿插片假字，整个作品充满了拙味。

饮与呕吐个展，2017

2017年，“饮&呕吐”个展在日本展出时，仲条特地为此创作了22张以“Mother and Others”为题的大幅海报。其中有些图形等与过去的作品有些相似，赋予的意义却又完全不同。

对于命名他解释说，如果是 MOTHER & FATHER，大家可能只会关注到“父母”这一层面，但如果采用“MOTHER & OTHER”，把M从MOTHER里拿掉，就成了OTHER，那么关注到的面会更广。

在这些作品中，妈妈和孩子变成了火车、房屋、向日葵、香蕉等各种形象，不变的仍然是母子之间的关系：守护、鼓励、欢乐、相爱相杀。

2018年这些作品来到上海当代艺术博物馆展出时，馆长龚彦贴合地评价说：虽然仲条使用的颜色充满童真，图形也非常基本，但是我们能够感到“摆脱母体时候的一种挣扎和犹豫”。

很多人都会把自己的设计拿给老前辈仲条点评，而他对年轻的设计师从来没有什么要求，“你自己做的设计你当然是第一，别让我评价”。也有人向他取经：如何提升自己的设计，我应该多看什么书多学些什么？仲条的回答依然直接：不需要去学其它东西，专注于你感兴趣的东西就好。尝试做一些大家都不做的全新的东西，这样一来也就可以有全新的视野。